Rostros de-velados en la pintura de
Héctor Ernández
Desde los inicios de la década de los ochenta, Héctor
Ernández ha trabajado sin parar. Mantiene desde entonces una constancia y disciplina férreas que son
admirables. Son muchas las exposiciones individuales que ha realizado, sin contar sus participaciones en
muestras colectivas y premiaciones recibidas. Es un artista integral: músico, escritor y, por supuesto, artista
plástico. Manteniéndose fiel a la figuración, ha trabajado diversos temas representando simbólica o míticamente
seres de diversa naturaleza y procedencia: ángeles celestiales, hierofantes –aquellos antiguos sacerdotes
griegos propiciadores de situaciones sagradas–, o bien recreando episodios como los de La nave de los locos del
libro de Sebastián Brandt. No podían faltar animales de fuerte resonancia simbólica como los caballos y los toros,
o bien la representación de objetos de carácter lúdico como los tableros de ajedrez y los carruseles. Sin embargo,
es la mujer su personaje persistente, la inspiradora, la que siempre está en obra y en pensamiento del artista.
La mujer, entonces, es el eje iconográfico principal. Ella aparece bajo diversas modalidades formales y simbólicas.
Puede ser una figura religiosa celestial, como también ser profana, legendaria o mítica. Puede ser la evocación
de un recuerdo del entorno familiar, o bien una imagen reinventada para crear una nueva ficción. Lo cierto es que
se la evoca dulcemente, en un lugar especial: en un altar de miel, Ara Mellitum, título que el artista reutiliza, luego
de una anterior exposición en 2011, para denominar la muestra que actualmente presenta en la sala Espacio 5
Caracas.

 

A Ernández gusta traer de vuelta imágenes referenciales de otros tiempos. Así, a modo de devoción, halago u
homenaje hacia la mujer, recuerda la imagen del altar –‘Ara’–, aludiendo a aquella losa antigua de la Roma precristianausada para realizar sacrificios y oblaciones para los dioses. Incluso, ya en el Cristianismo, se la utilizaba
para halagar y honrar a Dios. Ara de miel evoca entonces, por una parte, sensaciones dulces, de suave y agradable
sabor; y por la otra, un espacio consagrado a la mujer presentada de maneras diversas: como la noche, oscura
o estrellada; como luz; como dama de las aguas o incluso, a veces, como presencia fantasmal proclive al terror. Ella
se devela luminosamente a través de transparencias o, por el contrario, en ocasiones, permanece algo oculta,
pese a que sus rasgos se aprecian a través de un velo de oscuridad. Puede aparentar severidad y en otras ser
pródiga en sensualidad. Todas estas variantes son válidas porque el artista no refiere a una mujer en particular
porque una de ellas representa a todas las mujeres de la Humanidad. Así, sus mujeres son ancestrales, universales
y trans-históricas pues algunas o bien remiten a tiempos pasados con dejos de contemporaneidad o más bien no
pertenecen a un tiempo determinado. Sin embargo, todas tienen lugar de origen e identificación.
El artista toma como referencia fotografías de modelos de reconocido nivel profesional que conoce a través
del Instagram. Por medio de esta correspondencia, ellas acceden a ser retratadas. Ernández, entonces, las
despersonaliza en sus pinturas y las reinserta en nuevos contextos tomando en cuenta varios factores: expresión,
personalidad, e incluso sus propias circunstancias emotivas en el momento de pintar. Se trata de un
laborioso proceso de transformación en el que se conjugan conocimientos diversos que van desde historia
de las religiones, símbolos y mitos y, por supuesto, el aprendizaje de técnicas y tratamientos diversos en el
modo como los grandes maestros de la historia del arte trabajaron sus elementos de expresión. Ernández ha
tejido su propio lenguaje a partir del estudio y observación de los procedimientos pictóricos de diversos artistas del
siglo XX. En cierto momento tuvo mucha importancia los parajes surreales de Paul Delvaux; posteriormente,
el trabajo de los fondos y detalles en piezas de transvanguardistas italianos como Mimmo Palladino y
Enzo Cucchi o bien de Gerhard Richter y Cy Twonbly. No obstante, importancia particular tienen sus estudios sobre
el arte del Renacimiento –Leonardo en particular por su forma de trabajar el claroscuro–, así como de la pintura
flamenca, en especial, Rembrandt, cuya obra conoce en profundidad a raíz de su estadía en Amsterdam en los años
ochenta. Ernández utiliza varios de los recursos pictóricos de este maestro, como por ejemplo, dibujar sobre la tela
las figuras y aplicar seguidamente sobre estas capas de veladuras dejando entrever los trazos que dan forma a la
imagen. Rembrandt sustentaba su obra precisamente en este procedimiento, pues, realizaba un dibujo preliminar
directo en la tela, y luego aplicaba una base oscura para ir progresivamente hacia la luz. Justamente, lo que
también realiza Ernández: parte de la oscuridad para llegar a la luz, por lo que la tonalidad tiene en su pintura
un papel esencial. Las imágenes aparecen a fuerza de veladuras y capas de luces o de sombras. Pero, contrario
a la tradición, en Ernández ocurre, paradójicamente, otra situación que hace que su obra sea tan particular: utiliza
estas técnicas para subvertir o alterar las pautas lógicas de la composición. Ello ocurre, por ejemplo, cuando la
relación figura-fondo se invierte. La mujer ciertamente ocupa el primer plano, pero en lugar de prevalecer
sobre el fondo, muchas veces queda “invadida” por éste cuando manchas, grafismos o siluetas se superponen
a su rostro. Cuando esto sucede, muchas veces se da cierta ilusión de distancia o profundidad entre los dos.
Otras veces se perciben los rostros a través de veladuras cuya piel parece mimetizarse con las vetas de un soporte
de madera, cuando en realidad, no es madera sino un efecto conseguido por la imprimación de la tela que
varía, además, según el clima tonal predominante en la pieza.ç

 

Trastocar la lógica de la imagen conlleva, a su vez, crear determinadas tensiones según la forma de trabajar los
elementos de expresión. Es lo que el artista denomina analogía de los contrarios. Es cuando los rostros
serenos, por ejemplo, contrastan con fondos alterados; cuando fondos de color plano contrastan con decorados
exuberantes y barrocos, o bien en medio de la más profunda oscuridad, aparecen diminutos destellos de
luz que crean otro clima tonal, entre varios recursos más. Establecer estos contrastes formales permiten a
la vez producir alteraciones de sentido. Ocurre cuando se asocia lo sagrado con lo profano. El artista trastoca
la naturaleza de los géneros sacros, como por ejemplo, los iconos medievales, al retratar modelos profesionales
provenientes del mundo de la moda o de afamados estudios de fotografía, y las representa, virginales o
mundanas, en medio de una luz celestial. En muchos casos utiliza el hojillado de oro, en otros lo simula con
pigmento. La sacralidad no sólo se expresa con contenidos simbólicos. El color en la obra de Ernández deviene en
símbolo justamente por el trabajo con la luz –y con la oscuridad–. En esto la línea cumple un rol fundamental
como contorno “sacro” de las figuras. Se trata de un halo de luz o, en algunos casos, es expresión de la nocturnidad.
De este modo, la relación simbólica entre lo femenino y su condición lunar se invierte en muchas ocasiones para
volverse imagen de lo solar.
Develar o encubrir, alterar y subvertir, así como descontextualizar, son estrategias que utiliza Ernández
para trastocar formal y simbólicamente la noción de temporalidad. Lo logra pese a los atuendos o peinados
que remiten a modas de épocas pasadas; igualmente cuando reinventa unas caligrafías de apariencia gótica
sin significado alguno. Lo cierto es que se trata de la representación de la mujer universal, más allá de los
límites de la historia y ella aparece en medio de veladuras y transparencias, ocupando su puesto “en primera
persona” en medio de un paraje indeterminado, entre la luz y la oscuridad.

 

 Dra Susana Benko

Curadora e Investigadora de Arte, miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte. 

Coordinadora Editorial en Venezuela de la revista "Art Nexus"